Ci sono artisti che rappresentano il mondo e artisti che lo interrogano fino a ferirne la superficie. Prisco De Vivo appartiene alla seconda, più rara stirpe. Nella sua opera la bellezza non coincide mai con la pacificazione: è una soglia, una presenza inquieta, la luce che resiste quando la materia ha già conosciuto il dolore.
Pittore, scultore, designer e poeta, l’artista campano ha costruito in oltre trent’anni di ricerca un linguaggio autonomo, riconoscibile e refrattario alle classificazioni. La sua figurazione, di matrice espressionista, non descrive semplicemente l’essere umano: lo espone nella sua fragilità, lo conduce al limite e infine lo restituisce trasformato.
Una pittura che non consola, ma salva
Guardare un’opera di Prisco De Vivo significa accettare che l’arte non sia decorazione, ma attraversamento. I suoi volti, i suoi corpi, le sue figure femminili e le sue presenze sacre non cercano l’approvazione dello sguardo. Ci chiedono piuttosto di sostare davanti a ciò che normalmente evitiamo: la solitudine, la memoria, la perdita, il desiderio, la carne, il mistero.
È qui che si misura la qualità più profonda della sua ricerca. De Vivo non estetizza il dolore e non lo trasforma in spettacolo. Lo assume come materia conoscitiva. La ferita, nelle sue opere, non è un effetto narrativo: è il punto dal quale l’immagine comincia finalmente a dire la verità. Per questo la sua pittura può apparire aspra, persino scomoda, ma non è mai nichilista. Dentro le ombre rimane sempre una scintilla, una possibilità di riscatto, un principio di luce.
Il suo vero soggetto non è il dolore: è la trasformazione del dolore.
La materia come memoria
Terracotta, olio, laminati, stoffe antiche, carte e cartoni tipografici, legno e metalli di recupero: i materiali scelti da De Vivo non sono meri supporti. Portano con sé un tempo precedente, una memoria d’uso, una stanchezza, talvolta una cicatrice. L’artista non cancella queste tracce; le accoglie e le conduce dentro l’opera.
La materia diventa così un archivio del vissuto. La cenere non è soltanto cenere, il legno non è soltanto legno, la stoffa non è soltanto stoffa. Ogni elemento conserva la propria storia e, nell’incontro con la mano dell’artista, acquista una seconda vita. È un’archeologia dell’anima: ciò che sembrava consumato o residuale torna a farsi immagine, corpo, testimonianza.
In questa scelta si riconosce una sensibilità profondamente contemporanea, ma anche antica. De Vivo lavora come chi sa che la forma nasce da una resistenza: dalla lotta tra il gesto e la materia, tra ciò che vuole emergere e ciò che continua a sottrarsi. Le sue superfici non sono semplicemente dipinte; sembrano accadute.
I cicli di un’unica inquietudine
Dalle figure alienate di Riemersioni dalla cenere alla tensione simbolica de La malinconia dell’uovo, da Le scarpe di Auschwitz a I ripari, da L’imbuto e il suo psicodramma fino a Le metamorfosi di Dafne e I colori e la carne del poeta, il percorso di De Vivo si sviluppa per cicli. Non si tratta di capitoli separati, ma delle diverse stazioni di una medesima indagine: che cosa resta dell’uomo quando cadono le sue difese?
Nei cicli dedicati alle Modelle, alle Spose, ai Volti, alle Poetesse e alle Mistiche, la figura femminile appare sospesa tra sensualità e trascendenza. Non è un’icona idealizzata né un semplice soggetto pittorico. È una presenza di confine. Il corpo sembra custodire qualcosa che non può essere interamente pronunciato; il volto diventa il luogo in cui il visibile incontra l’invisibile.
È proprio questa tensione a sottrarre De Vivo tanto al realismo illustrativo quanto all’espressionismo di maniera. La deformazione non è un codice stilistico applicato dall’esterno: è la conseguenza di una pressione interiore. La figura cambia perché è attraversata da forze che non riesce più a contenere.
Il sacro dopo la bellezza facile
Nelle grandi opere e installazioni dedicate ai temi evangelici — dalla Crucifixtio/Redemptio all’Ultima Cena, fino all’Annunciazione — la ricerca di De Vivo raggiunge uno dei suoi vertici. Il sacro non è trattato come repertorio iconografico da citare, né come rassicurante esercizio devozionale. È esperienza dell’incarnazione: ingresso dell’assoluto nella vulnerabilità della carne e della storia.
La sua arte cristiana è potente proprio perché non rimuove il dubbio. La fede non viene presentata come assenza di oscurità, ma come luce capace di attraversarla. La Croce, in questa visione, non è ornamento né retorica; è scandalo, caduta, offerta e redenzione. L’immagine sacra recupera così la propria forza originaria: non illustra una verità già acquisita, ma mette lo spettatore davanti a una domanda che lo riguarda.
In un tempo in cui molta arte sacra rischia di ridursi a citazione nostalgica, De Vivo restituisce al simbolo religioso il suo peso umano e metafisico. Non imita il passato: lo riapre.
Tra parola e immagine
La poesia non rappresenta un’attività laterale nella produzione dell’artista. È una seconda anatomia del suo sguardo. Nei suoi libri, tra cui Il lume della follia, Una bocca di Rosamiele e La radice delle cose, parola e immagine appartengono allo stesso movimento: nominare ciò che sfugge, avvicinare ciò che resta invisibile, dare una forma provvisoria all’inquietudine.
De Vivo dipinge come un poeta e scrive come un artista visivo. Le parole hanno peso, ombra, consistenza; le immagini possiedono ritmo, pausa e voce. Da questa contaminazione nasce un’opera totale, nella quale pittura, scultura, disegno e scrittura non competono tra loro, ma convergono verso un unico centro.
Lucis: un luogo e una dichiarazione
La nascita nel 2014 di Lucis – Art Studio Gallery, nel paesaggio irpino di Quadrelle, chiarisce ulteriormente la sua poetica. Lucis non è soltanto un atelier: è un luogo di incontro, lavoro e contaminazione tra le arti. Il suo stesso nome indica una direzione. La luce di De Vivo, però, non è quella uniforme che cancella le ombre; è la luce radente che le rende leggibili.
Dal 1990 a oggi il suo lavoro ha attraversato gallerie, fiere, musei e spazi pubblici in Italia e all’estero: dalla collaborazione con la Galleria Mimmo Scognamiglio alle presenze ad Arte Fiera, Art Cologne e Art Brussels, fino alle esposizioni tra Europa, Stati Uniti e Argentina. Eppure il baricentro della ricerca rimane saldo: il territorio, l’interiorità, la memoria, la necessità di fare dell’arte una forma di testimonianza.
La necessità di Prisco De Vivo
Prisco De Vivo è un artista necessario perché non addomestica l’immagine. In un sistema visivo dominato dalla velocità, dalla levigatezza e dal consumo immediato, le sue opere chiedono tempo. Non seducono per distrarre; trattengono per interrogare. Non offrono risposte facili; costruiscono uno spazio nel quale lo spettatore non può restare estraneo.
La grandezza della sua ricerca sta forse proprio qui: nella capacità di tenere insieme la carne e lo spirito, la poesia e la materia, l’angoscia e la possibilità della redenzione. Ogni figura sembra provenire da una zona remota dell’esperienza e, tuttavia, parla con urgenza al presente.
Davanti alle opere di Prisco De Vivo comprendiamo che la bellezza autentica non è ciò che evita la ferita, ma ciò che riesce a farvi entrare la luce.
